랜스 해머 감독의 장편 데뷔작인 가 눈길을 끄는 것은 일단 이 영화가 올해 선댄스영화제에서 촬영상과 감독상을 수상한 영화이기도 하지만, 감독에게 와 , 의 시각효과를 담당한 경력이 있다는 사실을 도저히 믿을 수 없게 만드는 화면을 선사하기 때문이다. 남자와 아이, 그리고 아이의 엄마, 이렇게 세 사람 간의 관계를 중심으로 이어지는 이 96분짜리 영화는 자신의 분신을 잃고 그 상실감에 고통받는 남자와, 삶의 밑바닥에서 몸부림치다가 누군가의 죽음 때문에 비로소 살 길을 찾은 모자(母子)가 서로 조금씩 마음을 열고 화해하며 관계를 회복해가는 과정을 묵묵히 쫓아간다. 화면은 입자가 다소 거칠고 핸드 헬드를 많이 사용한 데다 점프컷이 빈번하게 사용되고, 그러면서도 두 인물을 찍은 숏에서는 컷으로 나누기보다 카메라를 이동하거나 초점을 이동시키는 방식을 즐겨 사용한다. 게다가 영화에는 음악이 전혀 사용되지 않았으며, 심지어 영화의 엔딩 타이틀마저도 음악이 전혀 없는 고요한 침묵 상태에서 올라간다. 배우들은 모두 이 영화로 데뷔를 한 아마추어 배우들이다.
우리의 인물들은 과거의 어떤 상처 때문에 모두들 고통받고 있으며, 그들은 마치 그 상처를 입 밖으로 꺼내면 아픔이 더 커질 것이라도 한 듯 도저히 그 상처를 수면으로 꺼내놓으려 하지 않는다. 그들의 스산한 삶은 영화의 공간적 배경인 미시시피 삼각주의 황량한 풍경을 똑 닮았다. 그러나 남자와 모자가 마주치는 회수가 많아질수록, 이들은 결국 자신들의 상처와 대면할 수밖에 없다. 그들이 어떤 관계인지, 이들 사이에 어떤 일이 있었는지는 영화가 한참 진행이 되고 이들 사이에 띄엄띄엄 오가는 대사를 통해, 이들이 그토록 어렵게 조금씩 입에 올리는 자신들의 상처를 통해 나중에야 알 수 있다. 그리고 이들에 대한 정보가 그렇게 어렵게 하나하나 개봉되면서, 우리는 그들이 겪고 있는 삶의 고통과 무게에 조금씩 동참하게 된다. 영화의 전체 이야기는 퍽 단순하지만, 이런 역방향으로 진행되는 퍼즐식 구성 때문에 그들의 별 거 아닌 신상이 하나하나 밝혀질 때마다 그것이 마치 영화의 큰 반전이 계속되는 것처럼 느껴지고, 곧 그들의 자그마한 감정과 느낌에도 하나하나 깊이 이입할 수 있게 된다.
그러나 는 고통과 절망이 아니라 희망과 새로운 시작, 그리고 다른 식의 '관계맺기'와 이를 통한 구원에 관한 영화다. 배의 앞뒤 경사에 균형을 잡아주기 위해 배에 일부러 싣는 짐을 뜻하는 영화의 제목처럼, 이들에게 상처와 짐이었던 것들을 오히려 삶의 새로운 동력과 버팀목으로 바꾸어가는 과정에 대한 이야기이다. 물론 그러기 위해서, 이들은 자신과 서로의 상처를 대면하고 그것을 감싸안으며 상대의 고통을 이해하는 아픈 과정을 겪어야 한다. 그것은 내가 다른 이에게서 '받은' 상처뿐 아니라, 내가 다른 이에게 '준' 상처를 직면하고 인정하는 것, 그리고 나로 인해 겪는 그의 고통을 외면하지 않고 토닥이는 것을 포함한다. 우리의 주인공들은 바로 이것을 용감하게 해내고 새로운 삶으로 나아간다. 영화의 스타일 때문에 다소 지루한 면이 있음에도 불구하고, 이 영화의 마지막 장면이 그토록 큰 울림을 주는 것, 그리고 그 울림이 아무 음악도 사운도 효과도 없이 엔딩 타이틀이 올라가는 시간 동안 점점 더 큰 파문을 그리는 것 역시 그러한 이유 때문이다.
올해 베를린영화제에서도 상영된 바 있는 이 영화는 전주국제영화제 국제경쟁 섹션에서 상영되며, 아시아에서는 처음으로 소개된 영화다. 랜스 해머 감독이 각본과 편집을 직접 담당한 장편연출작으로, 이미 언급했듯 올해 선댄스영화제에서 촬영상과 감독상을 수상했다. 7일 한 번 더 상영될 예정이며, 국내에는 아직 수입되지 않았다.
감독 랜스 해머는 그의 첫 장편에서 내러티브 최소화하고, 그 대신 드러나지 않은 이야기를 통해 슬픔의 감정을 전달하려 애쓴다. 아름다우면서도 가난의 고통을 품고 있는 미시시피의 마을은 그가 기용한 아마추어 배우들에게서 그대로 전해진다. 로렌스와 말리, 그리고 제임스는 미시시피 삼각주에 살고 있는 사람들로, 놀라울 만큼 호소력 있게 감정의 깊이와 지역색을 보여준다. 감독은 배우들에게 시나리오를 미리 보여주지 않고, 반복되는 리허설 속에서 상황의 느낌에 다가서도록 유도함으로써 내재되어 있는‘그들’을 끌어낼 수 있었다. 핸드 헬드를 사용하여 리얼리티가 강조되었으며, 푸른 색감과 미시시피 삼각주의 수평적 이미지가 그들이 가진 불안과 슬픔을 드러내는 탁월한 작품이다.
[관객과의 대화 내용]
▶ 쌍둥이가 상대방을 자기의 분신이라고 여기는 부분은 실제인가 의도적인가?
- "어머님이 일란성 쌍둥이여서 소재로 활용했다. 쌍둥이들이 작품처럼 둘 다 똑같다고 생각지는 않는다. 일란성을 상정했다는 것은 한사람을 잃었다는 상실감이 크기 때문이다."
▶ 제목으로 사용한 '발라스트'가 갖는 의미가 뭔가?
- "(사전적인 의미는)배의 평형을 유지하는 모래라는 뜻과 철도의 안정을 위해 바닥에 까는 자갈의 뜻으로 균형을 유지한다는 의미가 있다. 안정을 찾아간다는 뜻인데, 어려운 현실에 처해 있던 등장인물들이 차츰 안정을 찾아나가는 과정으로 이해하면 된다."
▶ 음악이 배제된 장면이 있다. 대부분 현장음을 사용하는데 한 장면(모자가 차를 타고 가다 린치를 당하는 부분)은 배경음만 나온다. 의도한 것인가?
-"그 장면을 찍는데 배우들이 연기를 하려는 의도가 보여 졌다. 자연스런 장면을 원했는데 연기가 나타나는 것 같아 현장음을 빼고 배경음만 집어 넣었다."
▶ 카메라의 시선이 멀리서 관찰하는 것 같다. 의미는?
- "중요한 것은 카메라가 멀리 떨어져서 찍는다는 것이다. 카메라는 배우의 시선을 따라간다. 배우들을 관찰하려는 입장에서 촬영됐다."
랜스 해머 감독은 특별한 작품을 연출하게 된 배경과 의미에 대해 "19세 때 본 영화에 감동했으나 당시에는 겁쟁이여서 영화를 하겠다는 생각을 못하고 건축공학을 전공하게 됐다"며 "아트디렉터로 8년 동안 일하면서 스튜디오와 상업적 영화에 신물이 났고 그 과정에서 그들보다 더 잘 만들지는 못하더라도 한 번 만들어 보자고 생각에 영화를 만들게 됐다"고 전했다. 또 "미국에서는 8~9월 중 상영될 예정인데, 시장에서 평가를 받을 수 있을지는 장담할 수 없는 부분"이라고 덧붙였다.
정수완 프로그래머는 "집요하고 냉정하게 카메라를 들이대는 감독에게 기대감이 간다"는 말로 감독과 작품에 대해 정리한 후 관객과의 대화시간을 마무리 했다.
Director : 랜스 해머 Lance Hammer
1967년 캘리포니아 출생. 남부캘리포니아 대학교에서 건축을 전공했고, 스튜디오 영화의 미술감독으로 일했다. (95), (98)의 시각 효과를 담당했고, 코엔 형제의 (01)에 미술조감독으로 참여했다. 현재 로스엔젤레스에 거주하고 있으며, 는 감독이자 시나리오 작가로서의 첫 데뷔이다.
2008
(씨네통 닷컴 빡's의 기자시사회 리뷰 보기)
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