<생 클레멘트 성당 벽화>
유명한 18세기 미술사학자 빙켈만은 이렇게 말했다.
"모든 예술은 그리스에서 완성되었으며 훌륭한 예술은 그리스조각들을 모방하는 것이다"
그만큼 인체에 관한 모든 객관적인 비례들은 그리스인들에 의해 완벽할 정도로 연구되었다.
이 찬란했던 비례론이 완성된 그리스의 바로 다음시대가 중세시대다.
그런데 윗 그림을 보자.
허리는 기형적으로 길고, 올라온 무릎의 위치, 손에 비해 지나치게 작은 발, 굳어있는 표정..
혹시 그리스와 중세시대 가운데 인류대재앙같은 것이라도 일어나서 이태까지 발전되왔던
예술의 노하우가 다 묻혀버린 것은 아닐까?
결론부터 말하자면.. 물론 아니다.
그들은 일부러 그렇게 하지 않았다..거기에는 물론 그럴만한 분명한 이유가 있었다.
나 외의 형상을 만들지 말라
흔히 중세시대라고 하면 기독교중심의 암흑시대라고 한다.
잘 알려져있듯, 그 시대의 모든 문화는 종교에 종속되어 있었다.
그렇다면 하느님은 성경에 뭐라고 말했는가?
"나 이외의 우상을 섬기지 말라.."
자신 이외의 우상을, 어떠한 형상도 만들지 말라고 말씀하셨다.
오늘날, 우리가 보는 모든 그리스조각들이 진품이 아니라 그 이후시대에 제작된
모조품인것도.. 모두 이때에 행해진 기독교적인 성상파괴운동의 결과이다.
<중세인들의 성상파괴>
그렇다면, 회화는 이 형상금지에서 자유로울 수 있었을까?
회화는 아주 다행히도 든든한 '빽'이 있었다..!
막강파워 대교황 그레고리우스가 나서서 회화를 옹호하고 나섰다. 이유인즉,
"글을 읽을 수 있는 사람에게 책이 해주는 역할을, 회화는 글을 모르는 자의 성서이다"
기독교적인 신앙의 전파에 있어서 글을 모르는 사람에겐 회화가 책을 역할을
해준다는 것으로써 탈출구를 마련할수 있었다.
그러나, 이렇게 제한된 의미로만 허락된 미술은 상당히 제한적인 성격을 띌 수밖에 없었다.
회화는 보았을때 쉽게 읽혀져야 함으로 보았을때 일단 명확하고 단순해야 한다.
성스런 목적과 관계없는 다른 감각적인 요소들은 모두 배제해야만 했으며,
회화는 본질적인 것의 표현에 대하여 집중해야만 했다.
하지만 오히려 이런것이 중세미술의 위대함의 원인제공을 한 셈이 되었다.
일단 표현법에 앞서서 중세인들의 바탕이 되었던 철학에 대해서도 짚고 넘어갈 필요가 있다.
초월적인 '빛'의 미학
중세미학에 큰 영향을 끼친 것이 바로 '플로티노스'라는 사람의 사상이다.
신플라톤주의였던 그는 플라톤과 같이 세상을 이원론적으로 보았다.
다만 플라톤이 본질적세계를 '이데아'로 보았다면,
플로티노스는 '근원적 일자(一者)'에서 나오는 '빛'으로 보았다.. 빛!
플라톤이 모든사물의 너머엔 이데아가 존재한다고 믿었다면,
플로티노스에겐 모든사물의 너머엔 초월적인 '빛'이 존재했다.
빛에서 흘러나온 모든 사물은 거꾸로 근원으로 돌아가고 싶어하는 '합일'을
이루려는 욕망이 있다. 그러기 위해선 자신을 깨끗히 '정화'해야 한다.
그것은 정신적인 것으로써 탈물질화, 탈감각화해야만 한다.
어렵다..
"EGO SUM LUX MUND"
나는 세상의 빛이다
또한 플라톤이 예술을 '근원->사물->예술' 이라는 세번째 단계에 위치시켰다면,
플로티노스는 예술을 두번째로 놓아둔다. 즉 다시말해,
예술로써 하여금 근원에 가까워 질수 있다고 믿었다.
아까도 말했듯이 성상파괴로부터 자유로울 수 있었던 이유가 이것이다.
사람들은 '회화'를 통해 '진리'에 도달할 수 있다.
가시적인 이미지(이콘)들을 통해 천상과 지상의 초월적세계를 매개할 수 있다고 믿었다.
혁명적 표현법
그들이 그리스예술의 영향을 전혀 받지 않을 순 없었다.
때문에 알게모르게, 무의식적이든 의식적이든 그리스예술의 영향이 이미 들어가 있다.
비록 사실주의 묘사는 포기하였으나 중세미술의 회화에 표현된 인물의 옷 주름,
전체적인 비례와 조화, 공간구성의 기하학적인 법칙들은 그리스예술의 비례론에
영향을 받았음이 틀림없다.
감각적인 표현을 포기했던 중세인들에게는 근원적인 것을 표현하는
그들만의 기하학적인 제작법칙(canon)이 존재했다.
맨 위의 그림<생 클레멘트 성당벽화>도 보면 이 법칙에 철저하게 의거해 제작되었다.
가령 인물얼굴의 눈코입은 세계의 동심원을 중심으로 만들어졌고
인물 뒤의 커다란 타원은 두개의 교차하는 원의 교집합이고,
그 중심에 인물의 배꼽이 위치해있다.
모든사물의 표현은 이런 기하학적인 단순함에서 비롯, 제작되었다.
그렇다면 색은?
가시적인 세계의 사실적인 모방을 포기한 그들에게는 색도 모방의 관념에서 자유로웠다.
중세미술가들의 과제는 '초월적인 빛'의 표현이었다.
물론 이 빛은 인간의 눈으로 보이지 않는 빛이다. 이 빛을 미술가들은 표현해야만 했다.
최대한 느낄 수 있도록.. 스테인글라스의 화려한 색이나 금,은의 재료로 치장했던
그들의 예술은 이런 초월적인 빛의 감각적 표현이었다.
그들에게 근원적인 것의 표현이란 이렇게 내용보다는 형식속에 이미 들어가 있었다.
눈에 보이지 않는 것을 표현해내는 시도, 어딘지 현대미술과 비슷하지 않는가?
이것은 가히 혁명적인 변화였다.
독창적인 것에 관하여
흔히 예술이란 자신만의 독창적인 것이라고 생각한다.
그래서 중세미술가들이 이런 창의적인 것으로부터 핍박을 받았다고 생각 할 수도 있다.
하지만 오히려 중세인들은 구속을 받는다고 생각하지 않았었을 수도 있다.
과거의 것으로도, 기존의 것으로도 얼마든지 자신들의 표현의 목적을 이룰수
있었는데 구태여 새로운것이 필요했었을까 하는 얘기다.
곰브리치는 간단한 예를 든다.
결혼식에서 신랑신부가 자신들을 위한 축하연주를 굳이 새로운 작곡을 원할까?
대부분의 사람들은 그저 자신이 좋아하는 곡을 훌륭하게 결혼식에서 연주되길 원할 뿐이다.
그렇지만 어차피 미술가들란 기계가 아니기 때문에,
비록 제작법칙을 기준으로 그렸지만 그들의 그림에서는 미술가들의 개성이
자연스럽게 나올 수 밖에 없다.
하나님의 말씀을 받아적는 <성마태오>의 똑같은 주제의 각기 다른 화가의 그림이다.
두그림 모두 흰 옷을 입었고, 탁자위의 책에다가 왼손에는 잉크를 들고
오른손으로는 글을 쓰고 있다. 아마 이게 이 그림의 제작법칙이었을 것이다.
하지만 분명히 다르다. 무엇이 다른가?
바로 느낌이다. 그린사람의 해석이 각각 그림속에 녹아들어있다.
왼쪽의 화가는 성마태오를 침착한 성인처럼 정적이게 묘사했다면
오른쪽의 화가는 하느님의 영감을 받아적는 격렬한 순간의 느낌이다.
이집트 인들은 그들이 '알았던' 것을,
그리스 인들은 그들이 '본' 것을,
중세 인들은 그들이 '느낀' 것을 표현했다.
중세미술의 의의
중세미술은 더이상 예술적인 암흑기가 아니었다.
그들은 최초로 가시적인 세계의 모방이라는 예술의 한계에서 벗어나
보이지 않는것들을 그리는 방법을 알고 있었다.
때문에 화가들은 그림안에 공간과 극적인 행위를 배제함으로써
그림안의 사물의 장식적인 구성(composition)에 집중할수 있었다.
중세인들은 미술사 최초로 '형'과 '색'의 유희를 즐겼다.
비가시적인 것을 가시화하는것.. 놀랍게도 현대회화의 원리와 똑같지 않는가?
실제로도 중세미술에선 이미 추상회화, 텍스트를 이용한 예술,
다시점으로 그린 큐비즘, 추현실주의, 표현주의 등 현대예술이 시도했던
많은 것들이 이미 중세속에서 찾아볼 수 있다.
우리는 이 시대의 미술가들이 사물을 본대로 그리려는 야심을 버리게
되면서 그들 눈앞에 전개된 가능성이 얼마나 큰 것이었나를
이해하지 않으면 안된다.
진중권.<미학오딧세이>
곰브리치.<서양미술사>
